‘É a Meryl Streep da orquestra’: por que o cinema ama o violoncelo

No início deste mês, foi lançado um trailer do próximo drama de Pedro Pascal, Behemoth!, no qual ele interpreta um famoso violoncelista que retorna a Hollywood para fazer trilhas sonoras. O violoncelista e compositor de filmes da vida real, Hildur Guðnadóttir, diz que o instrumento "está definitivamente tendo um momento agora. Mas sempre esteve presente".

É verdade. E esse caso de amor cinematográfico encontrou seu ritmo pela primeira vez há quase 70 anos, quando Audrey Hepburn interpretou uma jovem e espirituosa violoncelista em Love in the Afternoon. Nas décadas seguintes, o instrumento tornou-se um marcador para um certo tipo de personagem: culto, intenso, romântico, assombrado. Pense em Alan Rickman em Truly, Madly, Deeply – ou no violoncelista titular do drama tcheco de 1996, Kolya, que ganhou o Oscar de melhor filme em língua estrangeira. Até Woody Allen brincou com o estereótipo; em Annie Hall, o intelectual liberal e esquerdista de Carol Kane tocou violoncelo em uma cena excluída.

Mas por que, dentre todas as opções da orquestra, o violoncelo se tornou o instrumento de introspecção? “É o clichê, mas provavelmente é porque o violoncelo é o que mais se aproxima do alcance vocal humano”, diz Guðnadóttir. "Ele também tem a capacidade de brincar com as notas, como a entonação humana. Pressione uma nota no teclado e ela será direta e definitiva. O violoncelo - assim como nossas vozes - pode brincar com essa entonação para se expressar."

Coloque um ator em uma cena tocando violoncelo, então, e ele poderá apresentar um diálogo sem palavras. Guðnadóttir diz que o único outro instrumento com este timbre humano e “fluidez de entonação” é o clarinete baixo. Mas é improvável que você veja um protagonista buscando um – nem uma cinebiografia de prestígio sendo feita sobre um famoso clarinetista baixo. Na verdade, o violoncelo conquistou o mercado em histórias orquestrais trágicas – talvez mais notavelmente em Hilary e Jackie, estrelada por Emily Watson.

“Esse filme, a história da violoncelista Jacqueline du Pré, é o filme para violoncelo que mais me marcou”, diz Guðnadóttir. E não é o único filme biográfico de violoncelista a chegar às telas. Em The Soloist, de 2009, Jamie Foxx foi escalado para o papel do músico Nathaniel Ayers, mas a narrativa foi restringida, trocando seu instrumento principal – o contrabaixo – pelo violoncelo.

Você pode ver o porquê. O violoncelo não só tem aquele registo estranhamente humano, como também é visualmente dinâmico. Os movimentos do arco de um violoncelista são físicos e expressivos, e o rosto do artista raramente fica obscurecido – tornando-o um parceiro perfeito na tela.

É provavelmente por isso que os violoncelistas tendem a ser o coração dos dramas musicais. Guðnadóttir também compôs o tour-de-force Tár de Cate Blanchett, no qual um violoncelista se torna o catalisador do drama. O violoncelista de Christopher Walken, lutando contra o mal de Parkinson, é a peça central de A Late Quartet de 2012, e Dermot Mulroney (um violoncelista da vida real que tocou partituras de vários filmes Mission: Impossible) frequentemente estrelou como ator convidado na série Prime Video Mozart in the Jungle.

Mas os personagens violoncelistas não se limitam aos dramas musicais. A taquigrafia emocional do violoncelo foi transcrita em quase todos os gêneros: de Chloë Grace Moretz no romance de ficção científica If I Stay, a Maryam d'Abo na aventura de 007 The Living Daylights, aos interesses amorosos de violoncelistas em sitcoms de Frasier a New Girl. E há o lado mais sombrio do violoncelo, seja canalizado por Michelle Pfeiffer no thriller sobrenatural What Lies Beneath, Uma Thurman no neo-noir Jennifer 8 ou Jenna Ortega na série de sucesso da Netflix, Wednesday.

“Há uma conexão gótica com o violoncelo”, diz Guðnadóttir, que ganhou o Oscar pela trilha sonora de Joker, trilha sonora que traz o instrumento em destaque, com o braço “sufocado”. “Quando é tocado de uma forma feia – porque ansiamos que seja um instrumento lindo – é desconfortável.”

O diretor Richard Shepard levou esse lado sombrio um passo adiante em 2018 com The Perfection, um terror ambientado em uma prestigiada academia de música. Ao escolher o instrumento que seus dois protagonistas tocariam, ele queria algo ao mesmo tempo sinistro e sensual.

“Lembro-me de ter crescido no Upper West Side de Nova York, perto do Lincoln Center”, diz ele, “e de ver esses jovens violoncelistas no metrô, carregando essas caixas enormes.

Os cineastas por trás do filme de terror estrelado por Allison Williams estavam determinados a tornar o violoncelo tocado tão convincente quanto os sustos. “Foi um trabalho muito difícil”, diz Shepard, “mas estou orgulhoso de haver apenas duas cenas das mãos dos músicos, em vez das mãos dos atores, em todo o filme”.

O violoncelo é um instrumento que os atores não conseguem blefar – é mais difícil de fingir do que esconder as mãos atrás de um piano ou fazer overdub de uma voz cantada. Ortega treinou para quarta-feira e recebeu indicações ao Globo de Ouro e ao Emmy. Watson treinou para Hilary e Jackie e recebeu uma indicação ao Oscar. Pascal disse recentemente à Vanity Fair que tocar violoncelo foi “literalmente a coisa mais, mais difícil, mais difícil que já tive que aprender a fazer”. Se ele está em busca de prêmios, há poucas apostas melhores do que um cordista profundo e introspectivo.

E essa percepção vai além da tela. David Cohen, violoncelista principal da Orquestra Sinfónica de Londres, diz que “há definitivamente um estereótipo de que os violoncelistas são os empáticos da orquestra – calorosos, atenciosos e um pouco intensos. Não tenho certeza se isso é inteiramente verdade, mas é engraçado que os cineastas frequentemente considerem os violoncelistas como os emocionalmente inteligentes. Você raramente vê o vilão dizendo: ‘Deixe-me terminar minha Suíte Bach…’”

Cohen acrescenta que a versatilidade do violoncelo muitas vezes molda o caráter