‘O voo originado da imaginação’: como os artistas capturaram as viagens espaciais

Vestindo um traje espacial prateado brilhante, Alan Shepard segura seu capacete e parece um arquetípico herói americano de olhos azuis. O retrato de 1961 de Bruce Stevenson prestou homenagem ao primeiro astronauta dos EUA no espaço. Também plantou uma semente.

James Webb, o então administrador da Nasa, viu a pintura e sentiu-se inspirado a iniciar o programa de arte da própria agência espacial, acreditando que os artistas poderiam trazer uma perspectiva única para a exploração do cosmos. De 1962 a 1974, foi liderado por James Dean, que então se tornou o primeiro curador de arte do Smithsonian National Air and Space Museum, em Washington.

Dean transferiu cerca de 2.000 obras de arte da Nasa para o museu, cuja coleção já aumentou para mais de 8.000, incluindo peças de Alexander Calder, Henry Casselli, Annie Leibovitz, Norman Rockwell e Alma Thomas. Uma seleção está em exibição no renovado Flight and the Arts Center para comemorar o 50º aniversário do museu.

O museu do ar e do espaço está entre os museus mais visitados do mundo. Exposições populares incluem o folheto dos irmãos Wright e o Spirit of St Louis de Charles Lindbergh, bem como o módulo de comando da Apollo 11 Columbia e o traje espacial Apollo 11 de Neil Armstrong. A variedade de aviões e foguetes é esperada; a presença de uma galeria de arte é mais uma surpresa.

“Por que colecionamos arte?” perguntou Carolyn Russo, curadora da coleção de arte. "O voo nasceu da imaginação. Originou-se das mãos dos artistas. Enquanto temos artefactos no nosso museu que nos contam o que fizeram e como voaram, a arte mostra-nos a dimensão humana do voo e como o experienciamos, como nos sentimos em relação a ele."

Há justaposições emocionantes aqui. Rockwell responde ao programa espacial Apollo literal e solenemente em cores suaves; Thomas reage a isso figurativamente com admiração e uma explosão de glória.

Rockwell era conhecido por suas ilustrações de capa do Saturday Evening Post retratando a vida saudável em uma pequena cidade. Em 1964, a revista Look contratou-o para documentar o florescente programa espacial da Nasa, apostando no seu estilo realista para tornar a perspectiva desconhecida e aterradora das viagens espaciais palatável para milhões de americanos comuns.

O Primeiro Passo do Homem na Lua de Rockwell (Nave Espacial dos Estados Unidos na Lua) representa uma mistura fascinante de pesquisa e especulação. Pintado cerca de três anos antes do salto gigante de Neil Armstrong, Rockwell baseou sua pintura em um modelo em tamanho real de um módulo lunar fornecido pela Nasa.

Para o olhar moderno, olhando para trás com o benefício da retrospectiva, a pintura apresenta imprecisões encantadoras – a cor da nave espacial está ligeiramente errada e um astronauta é retratado de pé precariamente no topo do módulo. Mas em 1967 foi o mais próximo que o público chegou de ver o futuro.

No entanto, Rockwell não foi apenas uma líder de torcida da era espacial. Após a trágica morte de três astronautas no incêndio da Apollo 1 em 1967, seu entusiasmo diminuiu. Num rascunho de um discurso de 1969, proferido pouco antes da primeira aterragem bem-sucedida na Lua, Rockwell perguntou ao seu público: “Será o programa espacial uma ideia lunática agora, quando nós, na América, somos confrontados com os problemas da pobreza, da injustiça racial, da segurança nacional e da guerra do Vietname?”

Ele ponderou: “Seria melhor investir todo esse pensamento, energia e dinheiro na melhoria das condições aqui na Terra?”

Apesar deste conflito, Rockwell ainda encontrava reverência pelo trabalho humano por trás das máquinas. Poucos meses depois de seu discurso, ele pintou Apollo and Beyond (Apollo 11 Space Team). Junto com Armstrong, Buzz Aldrin e Michael Collins em capacetes de bolha brancos, Rockwell povoou a tela com a vasta e desconhecida força de trabalho: astronautas reserva, engenheiros, diretores de programa como Wernher von Braun e as ansiosas esposas de Armstrong, Aldrin e Collins. Todos olham para cima, em direção à lua, unidos por uma aspiração coletiva.

Thomas, uma artista que passou 35 anos ensinando arte em uma escola pública de ensino médio em Washington, foi motivada por assistir lançamentos de foguetes em sua TV em cores. A exposição cita-a dizendo: “As mudanças fenomenais da era das máquinas e do espaço do século XX… colocaram a minha criatividade em movimento”.

Sua pintura Launch Pad, de 1970, utiliza linhas verticais de cores vivas e naturais para evocar a estrutura do pórtico do Centro Espacial Kennedy, misturando a maravilha tecnológica do foguete com a paisagem natural e a água da Flórida. Em Blast Off, Thomas captura o poder violento do foguete Saturn V com um toque de cinza no topo de uma chama imponente em forma de cone laranja e amarelo. A forma evoca uma pirâmide egípcia.

Sua peça Astronauts’ Glimpse of the Earth, de 1974, lembra a célebre fotografia do “mármore azul” tirada durante a missão Apollo 17 em 1972. Thomas preencheu uma grande tela circular com intrincados traços tecidos de azul, pontuados por toques brilhantes de laranja, rosa, vermelho e verde. Os sotaques vibrantes, sugere a galeria, sinalizam um “desejo de que sociedades diversas vivam em harmonia num mundo colorido”.

Em outros lugares, a galeria remonta ao início da era dos jatos comerciais. Blue A (1959), de Georgia O’Keeffe, foi inspirado em seu primeiro voo comercial. Olhando para baixo de uma janela de avião, O’Keeffe esboçou os rios azuis vibrantes e as paisagens mutáveis ??abaixo, transformando a geografia em uma visão abstrata e abrangente. O museu o selecionou para um pôster de inauguração em 1976.

A peça de tecido de 2020 de Catherine Stewart, Katherine Johnson Dress, serve como uma homenagem à brilhante matemática negra cujos cálculos da mecânica orbital foram vitais para os primeiros voos espaciais humanos da Nasa. Coberto de coordenadas e equações celestiais, o artista imaginou a vestimenta como o que Johnson poderia ter usado em uma hipotética celebração da NASA marcando o moonwalk de 1969.

Até os surrealistas foram cativados pelas missões lunares. A interpretação de Man Ray do primeiro pouso na Lua parece, à primeira vista, uma série caótica de rabiscos. Mas Russo comenta: "Se você pensar bem, quando pousamos na Lua pela primeira vez e naquela tempestade emocional, parece o vórtice de um tornado. Cada artista interpreta o ar e o espaço de maneira diferente e através de sua própria experiência e através de seus próprios olhos."

Em nenhum lugar o casamento entre arte e ciência é mais aparente do que na exposição temporária da galeria, The Ascent of Rauschenberg: Reinventing the Art of Flight. Apresentando 30 obras do artista pop pioneiro Robert Rauschenberg – muitas delas nunca exibidas antes – a exposição é uma exploração ampla de seu fascínio profundo e quase obsessivo por todas as coisas que voam.

Questionado sobre qual obra de arte, além da sua, ele gostaria de ter criado, Rauschenberg respondeu certa vez: “Eu gostaria de estar por perto para ajudar os irmãos Wright a trabalhar em seu conceito de bicicletas voadoras”.

Ele promoveu um relacionamento próximo e colaborativo com Dean, que lhe forneceu materiais da Nasa e visitou seu estúdio. Numa carta de 1969 apresentada na exposição, Dean escreveu a Rauschenberg, a quem chamava carinhosamente de "Bob", e elogiou uma recente visualização do seu trabalho: "Tudo estava simplesmente lindo. Você está exatamente certo para hoje (e amanhã também)".

As criações resultantes de Rauschenberg foram meditações intrincadas e em camadas durante o voo. Em Trust Zone, uma peça de sua série Stoned Moon, Rauschenberg justapõe o contorno etéreo de um traje espacial moderno e um mapa do Cabo Canaveral com a arquitetura frágil e pioneira do folheto dos irmãos Wright.

Russo aponta para o uso de peças descartadas de aviões por Rauschenberg e sua propensão para trocadilhos visuais inteligentes. Uma peça que utiliza rodas de bicicleta homenageia diretamente os irmãos Wright, que eram mecânicos de bicicletas antes de se tornarem aviadores. Até mesmo caixas de papelão que antes continham perus foram transformadas por Rauschenberg em pássaros voando.

Em Star Quarters, Rauschenberg reinventa o céu noturno não com figuras mitológicas antigas, mas com gigantes da cultura americana contemporânea. O cavalo alado Pégaso é humoristicamente equipado com asas de avião reais, enquanto a constelação de Hércules é representada pelo boxeador Muhammad Ali. Quando o artista retratou os gémeos Gémeos, ele alinhou-os com verdadeiros mapas estelares astronómicos, provando que a sua “mistura” artística estava, na verdade, baseada em pesquisas profundas e calculadas.

No entanto, talvez o artefacto mais surpreendente de Rauschenberg em exposição não seja uma enorme tela, mas algo do tamanho de uma miniatura. É uma pequena bolacha de cerâmica conhecida como Museu da Lua. Organizado pelo escultor Forrest Myers, este pequeno azulejo apresenta pequenos desenhos de artistas proeminentes da época: Rauschenberg, David Novros, John Chamberlain, Claes Oldenburg, Andy Warhol e o próprio Myers.

A contribuição de Rauschenberg foi uma linha única e reta a lápis. Russo diz: "O que essa frase significa? Daqui até a eternidade. Mas também, quando Rauschenberg abordava suas telas vazias, muitas vezes ele começava apenas com uma linha a lápis. É quase a mesma coisa aqui.”

Em 1969, outra edição do pequeno azulejo teria sido anexada ao módulo lunar da Apollo 12. Ele permanece na superfície lunar até hoje – armazenado lá, como Rauschenberg observou uma vez, “para futuras descobertas”. É a menor e mais distante obra de arte que ele já fez.

A Arte do Ar e do Espaço: Interpretações do Voo está agora em exibição no Museu Nacional do Ar e do Espaço em Washington DC

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